男孩西服服装简笔画-男孩西服服装简笔画大全
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素描衣服在半身中占的比例很大,想要画好衣服就应该通过人体的结构先把衣服的外形画好。
衣服分为很多种类,有的衣服反光很强烈,那就需要对比强烈,有的衣服很柔和但是褶皱很多,那就需要把大地方先铺好,主要部分刻画,其余虚化。还有衣服的种类很多有时需要多观察,多看。通过不同人穿不同的衣服,来表现衣服的各个类别。主要还是在于线条的运用,用好了衣服就能很漂亮,用不好,一团黑。
素描头像的衣服和速写中的衣服画法与表现都不一样,以下链接是素描头像的一个步骤画法教程,一个披着头巾的女中老年,你可以点击并且跟着老师一起画。***s://m.ixigua***/item/68261329902***375245/?iid=1776412781718304&tt_from=weixin&utm_source=weixin&utm_medium=toutiao_ios&utm_campaign=client_share&wxshare_count=1
素描人人物画中的衣服画法与画人物肖像技法上没有多大差别,我画素描是三十年前的事了,那时的习作早己没有了,这里谈点个人体会,希望对你有帮助,第—条,在构图时—定要把握好人体骨架结构,衣服穿在人体上,会有很多实线实点,虚线虚点。如肩部部分,手臂的外线,女性的***等,这些地方紧贴骨架或肉体,就是实的部分,液下,女性乳下,手臂的内侧,衣服松散下垂,这些地方是虚的部分。这就是进一步造诉你画人物画要画人体的重要性,人体骨架结构画不好,画出的衣着会很别,不舒服。第二,实的部分用笔较轻,虚的部分折邹多,阴影多,灰调,黑调,反光多,色调丰富。第三,把握衣服材质的质感,当把衣服的素描关系画好后,要根据人物所着衣服材质的质感进行调整,粗的纤维料根据实体用较粗的线刻画,细的纤维料,如丝绸等要擦去粗线,凸出光亮,柔出丝感,亮的部分,反光的部分会很多。
衣服是人体的第二层皮肤。在素描训练中,服装和各种质地布料褶文的表现,是塑造人物形象、构成整个画面不容忽视的重要部分。衣褶的变化都是由于人体骨骼、肌肉的运动所造成的,一般在表现人的形体结构及运动方向上是起着重大作用的。有经验的画家常常改变衣文的动势,以更好地体现人体的动感的形态,增强整个画面的表现力。
这幅安格尔的《帕格尼尼肖像》,简练的衣褶把形体转折表现得淋漓精致。注意观察外衣的翻领和围巾使头部和肩部恰到好处地形成一个整体;衣袖口的外缘,将握弓的手塑造得非常自然。双肩的衔接和衣领的左右重叠,使躯干显得饱满挺拔。这正是画家巧妙地运用衣褶的形态来表现音乐家不凡的气质。所以衣褶的表现力凸显了一个优秀画家的艺术审美和品位。
下面这幅是阿道夫门***尔的《默特克将军的外衣》碳铅笔、*** 39.6CM*25.4CM. 只看这件外衣这位将军的强大气场已经铺面而来。从整体来看,画家选择这个姿态是经过细心观察和思考的。这样精准的概括和描绘能力不是一蹴而就的,是经过大量的写生训练并提炼成自己的绘画语言。
在素描训练中,需要由表及里地进行观察、表现衣褶。因为衣褶的变化与人体结构、躯干角度、四肢运动有着不可分割的关系。所以认真研究和准确表现出这种关系是画好衣褶的关键。人在运动是,衣褶随四肢躯干活动而形成绷紧或松散的形态,进而形成衣褶的虚实关系,在刻画时要抓住能说明形体转折的主要衣褶去重点表现,尽力通过衣褶的变化,把掩盖在里面的骨骼肌肉的基本形态表现出来。
要敏锐地抓住不同质感的布料来区别对待:薄的布料表现出的衣褶比较直、硬、挺;厚的布料表现衣褶表现为短、软、碎;绸缎表现的衣褶因表面光滑,就像玻璃器皿那样表现出很大的黑白反差。
唐宋服饰呈现出不同的感官美,无论从正面、侧面、背面,都十分优美动人,和环境共同成为灵动的艺术品,日本平安时代则任然***用魏晋南北朝和唐朝的服饰特点形成他们自己的东瀛风格,并未受到宋朝服饰的影响。
中国风衣服多为中国红色,上面绣有很繁美的花纹看上去很优雅华丽,多***用***等。和风衣服则有点类似于浴袍什么的,腰间会围着东西,很明显能看出来。
其次中国风的图案会有留白,和风偏向于图案重复充满布料,中国风衣服(或者说汉服)往往图案是用绣花表现,和风多是布料自带花纹,中国风重意境,和风重细节。
在服饰中“中国风”与“东瀛风”各有特色又有相似互通之处
东方有多美?一见便倾心~
提到东方美,你会想到什么呢?旗袍、刺绣、瓷器、诗酒花茶..东方美似乎是一个只可意会不可言传的意象。云丝尚,以东方的传统艺术特征为设计灵感,聚焦传统“中国风”与“东瀛风”文化,为你揭开东方美的神秘面纱。
在西方人眼里,中国风一直是一种很神秘的美,但在我们眼中,这就是我们最优良的传统文化,是我们的骄傲。中国风,凝结了千年的智慧,氤氲在一砖一瓦、一草一木上的意境都是绝唱。
梅菊,中国人感物喻志的象征,中国画的传统题材,透露出浓郁的东方韵味▼
很高兴回答你的问题。
我是油画专业毕业的。下面来说说几个我比较喜欢的艺术家。他们的作品气势磅礴,技艺精湛。
第一位 威廉透纳
英国学院派画家的代表。他的作品善于描绘光与空气的微妙关系。把风景画和历史画摆到了和肖像画同等重要的地位。
第二位 希施金
俄国风景画家最具代表的人物之一,他的画可以说是精细到了极致。把俄罗斯那种无限广阔的田野,炽烈的阳光,金色的大地描绘的大快淋漓。欣赏他的画会感到胸怀无比舒畅。
第三位 梵高
梵高的风景画你会发现这个人在画画的时候精神不是很稳定,不然他的笔触是无法做到如此扭曲的。他的作品给人感觉空气在流动,大地在燃烧。我曾经临摹过一些他的作品,发现梵高对于色彩的把控是让人惊叹的,他的[_a***_]纯粹而干净很少调合灰色。
作为一个热爱绘画的人,看完他的作品是心情很难平复的。
痛苦很容易刻画,但是用痛苦和苦难去刻画我们世界上的快乐和美丽。梵高是世界上存在过最伟大的画家。
我认为一副惊艳的作品首先是深刻的思想内涵其次是艺术家对美的认知程度对作品的影响。当然还会有很多因素。由于作品的意境以及内涵的不足,依靠作品阐述来完善作品在我看来是对艺术作品艺术性的一种否定。
首先我们要弄清楚“心潮澎湃”的意思。
“心潮澎湃”是一个成语。它的意思是心里像浪潮翻腾。形容心情十分激动,不能平静。出自臧克家《得识郭老五十年》。
不同的人在不同的时刻,看到艺术品的感受是不一样的,所以什么样的艺术品会让人心潮澎湃主要还是看人当时的心境和所处的环境。
只有能够直指人心的作品才会产生这种震撼的效果,最为常见的是宗教艺术。在装饰地五彩斑斓的哥特式教堂建筑里,巨幅的天顶画用绘画这种可视的艺术阐释着《圣经》里的故事,是能够对处在这种环境下的人们造成极大的心里冲击的。
当一个人极度开心或极度悲伤的时候,相同情绪的作品也会与人产生巨大的心里共鸣。就像蒙克的《呐喊》在很多***剧里出现,被很多人用来表达自己的内心的情绪。
千百年来人们对自然既征服也臣服,一些表达自然力量的艺术作品也会唤起人们内心深处对这种绝对力量的崇拜之情。
还有就是画面强烈冲突的作品也会令人产生心潮澎湃之感
艺术的魅力是无穷的,了解了艺术品背后的故事,然后还能用心体会,总有让我们感动的地方。
还别说,我确实鉴赏过一些油画让我第一眼就能立马有心潮澎湃的感觉,先说一下我是名艺术生,有过一段杂碎的油画审美史,个人也对美术类有着深厚的兴趣爱好,最早看油画能看到激动的是写实派的画作,我个人是极其佩服像冷军老师那样的画家,他对细节的把控和人物场景的完美还原,对形体塑造的功底也是了得,近距离的看他的作品能看到汗毛都竖起,这是我初次体验写实油画带给我的震撼。
但是现如今,美和精致就是艺术的观念已经过时了,他并不能代表所有,现代艺术已经从传统的美学中挣脱出来了,已经转变成了一种观念化的事物。这种事物不再诉诸于观众的情感,也不再着重人们的主观感受,它们创造一些新颖的符号,提供一些特别的意义,其目的是冲击人们的思维模式,引发人们的困惑、争论和阐释的欲望,变成了另一种东西。现在来看,画面更加震撼,更有内涵的油画作品,会更容易让人心潮澎湃,更有艺术感染力,下图就是我最近时看到的让人澎湃的油画。
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