热情飞扬的简笔画人物,热情飞扬的简笔画人物图片

1. 如何表现中国画艺术的画势美感？
2. 中国古代有些诗人为什么醉后吟诗更豪气？

如何表现中国画艺术的画势美感？

国画所谓的“势”，是指在绘画中描写对象的气势，是绘画中一种飞扬的、跃动的态势，吕凤子在《中国画法研究》中称之为“力的奋发叫势”。但是，“势”不是画面中的具象，是蕴含于“象”中的富有美感的神理。历代画家都十分重视“取势”、“得势”。唐吴融《壁画折竹杂言》有“枯缠藤，重欹雪，渭曲逢，湘江别。不是从来无本根，画工取势教摧折。”之句。画折枝竹，原来是为了取势，古人即使是画枝折枝，也必须取”势”，说明势在画中的重要性。近代陆俨少的《学画微言》专列“取势”一节，他论述构图时说：“第一要注意取势，一眼看去，耸神惊目，就能抓住人。”

在国画创作中，无论是山水，人物或是花鸟，首先要注重取“势”。

比如在山水画中的虚势，画出远山迤逦，留出大片水面。图虚实结合，繁密中见空灵，即极有远势。山水画家又往往***云烟吞吐以追求“势”的美学效果。比如描画连绵不断的群山，画出云雾弥漫、峰峦若隐若现的景象，画出烟云吞吐之势，这便是取势的美学特征。

花鸟画家也很注重“取势”。比如画墨竹在风中掀舞之势，或用折枝之法，画出松、竹的枝叶和梅的疏花，着意表现它们秀雅、清韵之势，充分体现“画工取势教摧折”的妙处。画人物也须“取势”，沈宗骞《人物画法》说：“夫行往坐立，向背顾盼，皆有自然之态，当以笔直取。”便是人物画取势之道。

要表现中国画艺术的美感，首先要了解中国古代品评绘画的基本原则——“六法”。

“六法”是南北朝时期生活在南齐时代的著名人物画家和美术理论家谢赫提出来的，他的著作《古画品录》，初步奠定了中国画理论的完整体系，提出了品画的艺术标准 ——“六***”，它包括气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摸写六个方面。六法对于画家和绘画作品来说，是全面的最高的要求，一般都是很难完全达到的，各擅一节足矣。

中国画是非常讲究笔墨的，“有笔有墨谓之画。”也就是说只要有了笔墨，才能称之为中国画，没有笔墨就不成其为中国画，或者说有笔无墨或有墨无笔，都不能算是好画。这说明笔墨对中国画来说是何等的重要。对于表现中国画来说，也必须懂得笔墨和看懂笔墨。一般认为，笔墨大胆、雄健、流畅、自然，给人一种力量的感觉，是好的，反之，笔墨轻嬴、困弱、滞凝，则是不好的，笔墨常关系着一幅中国画作品成败的关键。

清人笪重光在《画筌》中说：“实景清而空景现，真境逼而神境生，虚实相生，无画处皆成妙境。”

古人讲画时强调：“画之气韵有发于笔者，有发于墨者。发于笔者最上，发于墨者次之。”

画家在下笔时是用心使腕运动，以一种特定的情感、意念去驱使笔墨，运笔的力度感，是形式美感的重要因素。笔的力度有两种内涵：一是功力；一是气力。就绘画而言，功与气都是画面主体生命力的扩张，从而形成一种势。

势使笔墨线条具有能动的力量，它潜在或外在地表现出力的形态及流向，并使其在继续间隔的交错中体现出韵的节奏情致，使画面超越物象的某些特征。

古人说，得势则随意经营，一隅皆是；失势则尽心收拾，满幅都非。就山水画而言，布势在于造险，陆俨少说：“四平八稳，则不见气势。破平之法，是在险绝。”那么“险绝”相比平稳状态，就是画面张力的冲击，是千仞之山的险峻气象。

笔墨呈现“势”的艺术形态与客观物象的表象有着巨大的差异，势不仅仅体现物象形象的结构、姿态，它超越物象的一般性，是物象之外的生命扩张力。

掌握中国画的基本技能技巧并不难，难的是如何画出高质量的中国画。而如何创作出中国画艺术的画势美感，则是画出高质量中国画的核心一环。

首先要透彻理解中国画画势构成的基本原理。

关于中国画画势，前人已经有过很多评说，这里不再赘言。这里主要通过与西画艺术的比较来理解画势。

西画艺术追求的是立体视觉美感，而中国画艺术追求的则是平面视觉美感。

在立体视觉美感中，所画事物被虚化为一个立体感觉的平面＂映像＂。因为追求的是立体视觉感觉，因而艺术旨趣就特别在意如何利用空间位置的光透视原理和色块对比，来突出事物的无***面表现出来的部分。

在平面视觉美感中，所画事物被虚化为一个平面感觉的＂映像＂，因此，艺术旨趣就不会放在所画事物像不像原来事物上面，而是放在了如何通过事物的布局及形态特征描画，来强化事物被虚化了的＂映像＂深刻性上面。

两种绘画艺术旨趣，引出了创作中国画画势美感的两个观察面布局：

第一，直立观察面布局：

将所画物像作立轴式竖向布局。或者完全等视距地画出物像；或者下部位为近景，上部为远景，略显出视距差异地画出物像。

围绕统一的美学旨趣，选择几组物像作有机组合，以求造成一种整体性的画势美感。

“置陈布势”(顾恺之)涉及的是章法，就是“经营位置“(谢赫)的问题。西画叫构图。

一幅画形象好，且安排得巧妙，色彩、位置、虚实、疏密恰当，自然相融相映，气韵生动， 让读者远看动心，近观心动。

置、陈、经营的能力，关系作者的学养与人品。

吾师谈构图说到“九朽一罢”，很多作者对喜爱的画材，往往一题多画——好的构图不易得到。

无论人物、山水、花鸟要感动人，形象、笔墨、题款、印章都要一并思考，从而形成“势”，让读者感动。

中国古代有些诗人为什么醉后吟诗更豪气？

俗话说：酒壮怂人胆。

酒过三巡之后，在酒精的作用下，舌头打结了、血压升高了、面色潮红了、声调提高了，懦夫会变成勇士，老人能变成少年，普通人都能说出石破天惊之语，何况李白之类的大诗人。

有一项研究表明，人在过于清醒的情况下缺乏创新性思维，如李白之类的诗人酒后情绪会更兴奋，思维会更敏捷，可以说酒是诗的催化剂、孵化器。

《宣州谢朓楼饯别校书叔云》

唐.李白

弃我去者，昨日之日不可留；

乱我心者，今日之日多烦忧。

长风万里送秋雁，对此可以酣高楼。

蓬莱文章建安骨，中间小谢又清发。

俱怀逸兴壮思飞，欲上青天览明月。

首先这些人要有丰厚的文学底蕴。平时他的学识量都好像放在箱子里。很难随时调动起来。喝酒大脑兴奋。灵感飞扬。箱子里的知识量都好像漂浮到空中。随手拈来。写的诗当然就要比平时好的多。

现在也是！

因为只有醉了！才能对这个世界的感觉变得麻木，爆发出自己灵魂上的东西！

只有醉了，才不会在意世俗的眼光，想说什么说什么！

只有醉了，才不会为权贵所拘禁，写出平时不敢写出的文章！

只有醉了，为了虚与世界给自己带上的***面才会掉下来，真的性情才会表露！

所以古代那些诗人只有喝醉了酒才会迸发出充满豪气的伟大作品！我想现在也是一样！

饮酒助兴而已，不可高估。

今天重点和大家重点讨论古代诗人饮酒作诗的事情。喝了酒之后，作诗真的更豪气吗？其实也不一定。有人借酒壮胆，有人解酒消愁，各类情况都有，我们要分开看。如果单纯说，喝了酒，然后去写诗，然后写出来的诗就一定比他平时写的诗更好，那就以偏概全，甚至是为自己找借口了。

这点非常好理解。中国是人情人社会，古话说的，无酒不成席。古代诗人，他们的身份多数是官员。在官场上混，能不喝酒吗？前段时间热播的《长安十二时辰》，里面有个元载，大家不知道还有没有印象？这个元载，历史上真有其人，他最开始就是不会喝酒的。但是，随着他靠着自己的钻营，官越当越大，不喝酒能行吗？即使你不喝，别人也会劝着你喝。最后元载的酒量日饮二斗而不醉！

唐代的那些诗人，李白、白居易等人酒量都好的出奇。大家应该要注意，他们的身份，首先是官员，然后才是诗人。即使李白一辈子没当过什么官，但他就是想当官，并且朋友遍天下。这是怎么来的？除了他诗确实写的好，也和他的酒量好有很大关系。在酒桌上耍不开的人，别人顶多对你有几分尊重。尊重是有距离，不会和你关系多铁。这是我们的文化基因决定的。

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