动物园里的小鹿的简笔画,动物园里的小鹿的简笔画图片

1. 中国画中人物画精品有哪些？
2. 董其昌能成为大师的时代背景是什么？如何评价董其昌？
3. 中国画里很少出现什么题材？为什么？

中国画中人物画精品有哪些？

文物出版社出过一套《中国人物画经典》可参考，给人印象深刻的有台北故宫的泼墨仙人图，辽宁博物馆的白描神仙图卷，不一而足，吴带当风曹衣出水，都是讲的人物画，另阎立本，李公麟，顾闳中，周昉都有人物画精品传世。

中国近现代画家，创作了不少的人物画艺术精品。如石鲁的《转战陕北》，杨之光的《风华正茂》，徐悲鸿的《愚公移山》，蒋兆和的《流民图》等都堪称主旋律作品。

“笔墨当随时代”，小花小草的东西在今人的小圈子里玩玩可以，如果要成为主流，展现时代精神，我推荐三位画家。

一、李伯安，他的长卷《走出巴颜额拉》，大气磅礴，有厚重的历史感，只可惜英年早逝。

二、杨西，为了突破旧仕女画的纤细柔弱、结构不准的缺陷，他创作了《百美图》长卷，以独创的“倒钩描”形成独特画风。

董其昌能成为***的时代背景是什么？如何评价董其昌？

中国画发展，到了董其昌的时代，巳是宋代画风结束，元人画风开始兴起的转折时期。在这么一个非常时期，董其昌通过他几十年的艺术实践和理论研究，清晰的看到这一转折帶给中国画的必然改变。这不仅仅是中国画自身的问题，同时也是中国哲学史上，宋明理学的发展对中国画坛的必然影响。禅宗思想在佛学界的成功实践，对宋明文化界，艺术界的影响蔚然成风。宋明思想家对心性论的深入讨论与研究，一方面对人自身的认识更趋理性化，另一方面它对文化艺术的影响使一些生性敏感的作者，不得不重新认识艺术自身的形式价值。这也是当时地方戏剧大量出现与繁荣的一个原因。由于对艺术认识产生新的角度，才使得董其昌具备了重新认识中国画笔墨自身价值意义的可能。这个过程也正是董其昌所敏锐把握到的时代机遇。也是他在长期艺术实践中不断探索和总结的成果。当然更是他对中国画的卓越贡献。
董其昌对于中国画的贡献，最重要的是把中国画中的笔墨形式，直接提高到具备自身审美价值的高度。所谓“真性情,“一超直入”，“顿悟"，直接把笔墨形式自身价值认识看作为具有文化精神的中国画内涵。这一新的审美价值认识的价值发现，奠定了董其昌在中国画史上的崇高地位。由于他对于中国画传统笔墨认识的新思想与新发展，产生了明未清初画坛上杰出人物的辈出，艺术成就卓越。董其昌对于笔墨形式价值的新认识，把中国画的笔墨形式直接作为艺术形式的本质內涵加以追求的同时，也建树起中国画∥笔墨∥在文化精神上具有的崭新意义。从此，中国画中的一一笔墨，不再是附加于绘画的工具。它所具有的自身独立审美价值认识，把中国画的笔墨形式从逻辑上，提高到了文化精神的境界。。。直至宾虹先生发扬光大。只可惜，当今少有画人，对中国画中的“笔墨"，有此深刻的认知，更少有深入的实践者。在当今中国弘扬传统文化精神与文化思想，建树文化自信之际，希望更多的学人，对此给予高度重视，使中国画的笔墨内涵，重归文化的基本价值认识。(作品自写)。

1、董其昌是被低估的书法家，主要是因为他的书法，貌似平和、看似随意，但是有其内心的针对性，看起来好看的作品，不一定是真迹，那些初看古怪的，倒有可能是杰作。

2、他的作品风格多，藏地分散，以往人们没有可能汇聚他的各种风格作品进行综合排***析，更多时候是对着他的某几件作品，进行盲人摸象，误解在所难免。

3、启功也感慨过，说我们骂董其昌，但是落笔就是董其昌的书写方法，张嘴就说董其昌说过的话。八大山人就不要说了，直到80岁，还在向友人索看董其昌画册。现在我自己也有点这个感觉，20年前看博物馆，希望看到石涛、王铎，10年前看博物馆，最希望看到宋元书画，现在最希望看到董其昌的新作品。董其昌是一个深刻的家伙，只有深通书画者，才会转到此中来，而且往往是最后转到董宗伯这里来。

5、从艺术上看，为什么说董其昌难以理解？与赵子昂比较，我们可以发现，看赵子昂的字，大多数单字很美，但是整体其实还是平静的，与唐代楷书感觉差不多。看董其昌书法，则完全不同，董字大多数是起伏不定的，而且创造了很多特殊的办法，看完董字，往往是感觉自身观念受到了挑战，而不是欣赏，从这个角度看，董其昌的艺术观念非常现代。

5、董其昌其实就是明代书圣，也是最近350年的书画宗师。董其昌的格调与王羲之也有点接近，就是淡而有神，大多数人一开始不会太适应，因为入门者都是喜欢重口味的，但是沉浸其中很久之后，最后一定会感觉到这种淡而有神的，才是顶级的。这与淡而无味，完全是两回事。

中国画里很少出现什么题材？为什么？

1.要从我国自古以来的风俗习惯来看，对民族传统文化习俗有很大的关系。中国人古往今来都讲究风水***及八卦之说也比较盛行，是其中的因素之一。因为中国人最忌讳不吉利的东西，如骷髅的出现是不吉利的。所以一般家庭不会挂骷髅画作品的，没有了市场，就没人或很少人去画这方面的题材。总体来说很多家庭的客厅都有挂着书画作品的习惯，代表文人雅士，都是高雅吉祥、寓意好的书画作品，容不了半点不吉利的东西。除了风水先生算过这个宅子是凶宅，节日贴上“门神“画去辟邪挡灾或画一幅钟馗镇小鬼，如果信神的话，介入风水***就很多讲究，这是封建迷信思想，不应提倡。2.自古大多数中国人信仰神灵，人死了入土为安，埋在坟墓里。中国是礼仪之帮，尤其比较敬仰先祖，每年“清明节“都要扫墓拜拜祭祖先，缅怀祖先之德，逢年过节要拜神。

3.加上中国人也信佛教、道教等宗教，这些宗教是信奉“以人为善“，如一些寺庙、道观等道场地方的璧画有关的经典中，都表现伏妖降魔，引道人们以“慈悲为怀”不杀生，一切从善。

4.中国的中医体系里很少人体解剖，最多研究是人体穴位。不同西医，很注重解人体剖学。也是一个原因之一。

所以在中国的国画里，一般很少出现骷髅这些东西。

中国绘画作品创作上必须达到境界和审美效果。我国古代艺术家十分重视艺术表现的审美情感和再现自然的相互关系，提出“外师造化、中得心源。”要求在艺术创作中情思与物境高度统一，达到情景交融、神形兼备的境界。

我国绘画很少出现欧洲“立体派”画法，就是立体、怪异、象征等多种手法进行绘画创作。如毕加索的绘画作品《亚威农的少女们》，将人物正面、侧面、斜切面同时表现在画面上，开了立体主义的先河。

欧洲“未来主义”画派的画法，在国画中一般不会出现。这个派的画家们企图解决静止形式中表现运动的问题，认为一匹奔驰的马不是有四条腿，而是有二十条腿，或者是更多的腿，因为它们处于运动中。他们画马、画人、画其它动物，都画出许多肢体，处于连续的运动之中，把许多连续的瞬间同时表现于绘画之中，打破了传统的时空概念。

中国画是一种哲学，一种文化，一种精神的故乡。它不是再现自然景观的艺术，它是归纳心灵故乡的艺术。所以，它的表现多是山水，田园，现代化的，机械性的东西，不适合中国画来表现。就是画了，也的没什么趣味。

现代，有很多画家画工厂，铁路什么的。本质上，这是一种宣传画，并不是表现心灵绎动的中国画。

中国画是和画家的心灵与思想息息相关的艺术，不是画现实体载的艺术，故在中国画中，凡是表现现代化，工业化，机械化的东西，都不适合中国画的味道。

一句话，中国画不适合表现物，而适合于表现灵与肉。

感谢***兄的邀请~有的呀~

这是南宋时期李嵩的作品，名字叫做《骷髅幻戏图》，有点类似提线木偶玩具，一个戴着幞头，穿着纱衣的骷髅手里提了一个小骷髅在逗小朋友做游戏，小骷髅右脚单脚着地，左脚抬起，两臂做招手状。

和小骷髅对面的是一个年少的儿童，手足着地，注意力全都集中在小骷髅的动作上，小朋友身后的妇人，做阻拦状。

这幅作品现在藏于北京故宫博物院，画面气氛并没有鬼怪的惊悚与恐怖，相反，非常祥和欢乐，

王玄真书黄公望《醉中天》曲里提到：“没半点皮和肉，有一担苦和愁。傀儡儿还将丝线抽，寻一个小样子把冤家逗。识破个羞那不羞？呆兀自五里已单堠。” 仿佛正是对这幅画的准确描述。

这个问题提的好。

这和我们的传统哲学观，世界观有关系。

道家的天人合一，儒家的格物致知。都回答了这个问题。

天人合一，天地万物各有各自合适的位置，位置合适了，才和谐，不即不离，才会各自自在。活着的有活着的位置，死的有死的位置，才会各不妨碍。那骷髅应该在什么位置呢？画出来该挂在什么位置呢？一个画家，总以骷颅为题材，要传达一个什么样的思想内涵和审美情趣呢？灵动，始终是国画的审美灵魂。偏离了这个，归于怪异孤僻，非大道也。

[_a***_]对鬼神之事，存而不论。为什么不否定呢？因为还没搞明白，没搞明白的事，不能随意断言，这是格物致知的哲学观与方***决定的。那骷颅挂在墙上，与经世之道有什么参考意义呢？束之高阁实乃明智之举。

国画作为诗书画意之载体，承载了一个民族的遗传密码，那个大德是什么呢？《易经》首句云：天行健，君子以自强不息。

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