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1. 中国画讲程式，但不必过于程式化，对此你怎么看？
2. 法国印象派大师德加为何一生钟情于描绘芭蕾舞者？

中国画讲程式，但不必过于程式化，对此你怎么看？

这个问题我觉得应该“一分为二”地来谈。

一、如果你的中国画功底不是很深厚，那么，你不按照“程式化”的路子走，你的中国画水平就不可能有所提高。

中国画从东晋顾恺之开始到今天，经过近两千年历代画家们的不断发展，已经形成了一套具有严格“程式化”标准的法则。比如：画女人的衣服时，使用“高古游丝描”或者“春蝉吐丝描”等等；画南方的山水，用“披麻皴”或者“米点皴”；画北方的山水用“斧劈皴”或者“折带皴”等等。再比如：工笔画讲究工整细致、毫发入微等等；而水墨画讲究：笔墨淋漓、墨分“五彩”等等。

这些“程式化”的标准，对于初学或者初中级水平的中国画爱好者来说，是必须要深入学习的。比如：你画人物画，就要先把“十八描”学好，你画山水画，就要先去学习二十多种皴法，去练习《芥子园画谱》；你画花鸟画，就要把梅、兰、竹、菊的基本功先练扎实等等。如果没有这些“程式化”的基本功训练，自己去瞎琢磨，就好比“盲人摸象”——乱撞，甚至会闹出笑话。

二、如果你的中国画水平达到了一定的高度，那么，你就不能躺在老祖宗的“程式化”上面睡大觉，必须从“程式化”中走开，去寻求突破和创新。

西方绘画，经过几百年的发展以后，许多人开始从古典绘画中寻求突破，才出现了以后的“印象派”、“立体派”、“野兽派”。到了十九世纪末二十世纪初，更是出现了诸如：抽象主义画派、构成主义、超现实主义者、表现主义、未来主义、达达派、波普艺术和行为艺术等等多种画派。

中国画家们也不甘寂寞，刘海粟、徐悲鸿、李可染、陆俨少等画家们，一改中国画的“程式化”，即人物画的“线描”和山水画的“皴法”，用西洋画的素描（“黑白灰”）代替了传统的皴法，将透视法则（成角***、平行***和空气***），弥补了中国画只有“散点***”的不足，并运用到中国画的创作之中，为中国画的“现代化”作出了巨大的贡献。今天，仍然有许多中国画家，甚至中国画爱好者，也在创新的道路上不断地进行探索。

因此，如果你是一个有造诣的中国画家，或者爱好者，希望你能在中国画的改变和创新上多动脑筋，为中国画的明天再创辉煌！

就写这么多了，一家之言，水平有限。请高人指正。谢谢你辛苦地阅读。

（文中图片来自网络）

“没有规矩不成方圆”，既然是成体系的知识就必然有法度。那些天天喊着变法的、创新的都没搞清楚一门艺术的“法度”是什么，是建立在什么基础之上的变。

“程式”肯定要有，没有驾驭基础技法的能力等于“意淫”。今天的变都变了什么？是“无笔墨”的描与染还是“杂交”过的素描水墨？有法度的，讲程式化的临习前人，“迂腐”也好“泥古”也罢，但都在传承前人。今天的传承靠谁，传承什么？就靠学院里的帮派的“艺术”？还是那些笔墨基本功都没有的“伪***”？

首先，第一个程式是指规范。步骤清晰，总不能油画布，铅笔去画国画。

第二，程式指固定的技法，例如“双钩”“没骨”“皴”等等，都是因循前人传统，恪守法则，写意与意境等等都是绘画的基础与根基。

最后，不必过于程式化的意思是，你要站在传统的基础上，不断推陈出新，拥有自己的创意。

历代优秀的绘画者，无论中西，都是继承和发扬前人，并开拓自己新派别，新风尚，独树一帜的人。中国画也不例外。如果没有前人一点点突破和尝试进取，就不会有异彩纷呈，万千“各领***数百年”的作品留存下来，让我们欣赏更多别致的精彩了。

就像张大千***的作品，晚年后期也是参悟了西方油画的技法，最终创新出泼彩新技法。

最后套用龚自珍的诗:

“我劝天公重抖擞，不拘一格降人材”。

愿“别具一格”，继续成为中国画迈向更加百花齐放，万象争春之美的又一程山水。

“中国画讲程式，但不必过于程式化”，我认为这个观点是对的。这里的“程式”是指学习中国画绘画的基本规范和技法等。

我们知道，学习讲求循序渐进，不管学习何种科目，只有掌握扎实的基础，才能登堂入室。中国画作为作为东方绘画的代表和典范，在世界绘画艺术画廊里占有极为崇高的地位，其艺术魅力光耀世界。

中国画，有着悠久的历史，历朝历代都有杰出的画家。这些杰出的画家，他们的作品在世界艺术史上光辉灿烂，他们的创作，都是在学习前人绘画技法等基础上不断寻求自已的艺术创新之路，形成自己独特的艺术风格。并且，这些画家不但作画，还著书立说，总结自己的绘画实践，提出了很多著名的绘画理论。

记得早年在阅读中看到有一本书称《芥子园画谱》，是中国画入门的范本。今年逛书店看到《芥子园画谱（精华）》本，就买了一本。我不画画，但闲来看看也蛮有意思。

这是清康熙年间刊行的一部著名画谱，它系统地介绍了中国画的基本技法，提供了从用笔、写形到构图等多方面的详尽指导，对中国画初学者帮助颇大，至今，300多年来一直风行于中国画坛，许多成名的艺术家，如近现代画坛名家黄宾虹、齐白石、潘天佑，傅抱石等，都曾以《芥子园画谱》作为学习范本。

显然，《芥子园画谱》所介绍的中国画的基本技法，以及从走笔、写形到构图的指导，就是指“程式”。那么，“中国画讲程式”就是说要掌握基本技法，走笔写形构图有章可循。

尽然，“中国画讲程式”，但不能囿于程式。如果只讲程式，那么中国画也就没有创新和发展，也就没有名家辈出，也就没有中国画作品的精彩纷呈。

如前面提到的黄宾虹、齐白石䓁名家，他们就是掌握了中国画的基术技法，有扎实的绘画基础，并在此基础上，突破“程式”，在绘画技艺上有自己独特的创造，有自已的独特画法，也就形成自己了独特的艺术风格，这就是“不过于程式化”。

比如我们熟知的徐悲鸿，善画马，他的《奔马图》闻名天下，所画马形态各异，栩栩如生。据说他的画马的技法有传承宋代画家李公鳞的画马特点，而他画的马又不同于李公鳞画的马。显然徐悲鸿有学习前人的“程式”，但又不拘于前人“程式”，有自已的独特创造，自然也就有了他的独树一帜的风格。

中国画艺术博大精深，是我国艺术天地中的瑰宝之一，是东方绘画艺术的“名片”，有着其无穷的艺术魅力。文化艺术的发展，离不开传承，中国画作为高雅的艺术，更是如此。所以，中国画讲程式，但不过于程式化。

对于这个问题所呈现的观点，其实是多角度的阐述中国画的深层内蕴。我们知道，中国画中的程式语言是历代作画者在对生活长期实践积累、提炼的基础上创造出的艺术语言。它是中国绘画成熟的标志，也是中国画发展到一定高度的笔墨表达和艺术符号的标志。

程式化，是指某种形式在长期的使用过程中形成的固有模式。例如，戏曲表演讲究唱、念、做、打，这是戏曲的基本训练，其中每一项都有承袭已久的固有表演程式，且是具有规范性的。

中国画也是如此，前人归纳其中的章法、分类，然后加以名称，以示后人学习的典范。如关于线描总结的“十八描”；笔法中勾、勒、皴、擦、染、点；用笔法分中锋用笔、侧锋用笔、顺锋用笔、逆锋用笔等；皴法有斧劈皴、卷云皴、解索皴、披麻皴等等。程式化的绘画创作，基本方法就是将各种固定物象部件***用历代总结的程式化的技法手段组合、排列，给予生动的视觉呈现。

中国绘画艺术受到老庄思想的影响而贯穿于中国画的始终，注重感性、意象。所以，中国人对客观事物的观望最终是要回归自身主观的内心世界的，这个内心主观构建的家园更加高尚与真实。从古至今，中国画的程式演变就是具有个人特色又最富内在情感的语言所推进的，如“马一角”、“夏半边”的构图方式，如徐渭的泼墨写意，如齐白石的用墨设色。

还有，山水画中的“皴法”。它忽略事物存在的体积感和质感，将之抽象为单纯的面，即线的组合。作画者需要不断整合、调整表达他所感到的世界，创造最能传递他的主观本真心意的个性化的程式表达。因而，中国画的程式是非常重要的，其包含了中国画传统的笔墨规律。

法国印象派***德加为何一生钟情于描绘芭蕾舞者？

我🈶️话说：

爱德加·德加（1834～1917）是法国印象派画家。出身于巴黎的一个金融资本家的家庭。21岁考入巴黎美术学院，深受安格尔的影响，有着严格的古典艺术教育的基础。他是一个性情孤傲且具有独特见解的画家，时常保持着一个局外人的敏感，他不被同道印象派中那些热衷于户外作画方式所吸引，他因此也很少画风景，他认为“对自然的研究是没有意义的，因为绘画是一种传统的艺术，去学会跟着贺尔拜因来画就更有意义”。他常与画友们谈论的话题是：“要制作对下层民众有益的艺术”。在1875至1880年期间里，德加[_a***_]了大量以芭蕾舞演员生活为题材的油画、色粉画，已实现他所关注的描绘题材，即“巴黎的放荡不羁的艺术家和贫民的生活中的日常生活场景”。他对光色复杂的环境下的人物有着特别的喜欢与追求，并成为了他艺术人生中最重要的绘画实验。在这个特殊的室内环境里，人造光和自然光，以及光源的不同位置与方向，给芭蕾舞演员的光色增添了很多精彩的不确定的视觉奇异的效果。譬如《戴手套的歌手》此画又名《咖啡馆女歌手》，是德加画歌女题材中的一件成功作品。该作品***用了细笔触来表现。女歌手被舞台前面的脚灯所照射，强光出现在演员脸部下方，以及她举着的右手腕下部。画家运用逆光的手法，恰到好处地表现出灯光反射的艺术效果。

德加在人物的生动性、准确性的要求上，很大的程度上也借鉴了被广泛应用的照相技术的帮助，才能扑捉到运动中的舞蹈者形象；其形象的完整性表现也符合他早年受到的安格尔的艺术教育理念。

《舞蹈课》这幅全景式构图从另一个侧面反映了芭蕾舞演员在后台的练功生活。画中描绘一位年迈的老教练，手支着拐杖，站在画面中央，正在辅导演员练功。近景上两个背对观众的演员，全神贯注地看着老师，另一个坐在钢琴上的***，似乎已很疲倦，她闭目仰头，利用有限的间隙在休息。德加在这幅画上也十分注意到室内灯光的效应。用笔奔放，外光的运用也较为自然，画家在处理人物与环境的空间关系方面，是以写实性为主调来实现他的艺术主张。

一生钟情于描绘芭蕾***的印象派***埃德加·德加

在印象派的画家当中，埃德加·德加可能是最特立独行的一个人，无论从个性还是对印象派艺术的认识上，皆不同于其他的印象派画家。德加不以研究自然风景的色彩为主，主张创作从记忆中取材，并且只在室内作画，他只描绘自己喜爱和熟悉的现实生活题材，去捕捉人们日常生活中美好的瞬间印象，这是德加与众多印象派画家最大的区别。

《摄影师眼中的芭蕾***》

德加的绘画绝大多数都是由女人元素构成的，而这其中大部分画作都是表现年轻的芭蕾舞演员。在当时，巴黎的芭蕾舞十分盛行，被认为是当时最高雅的艺术形式之一。德加是芭蕾舞艺术的忠实爱好者，他经常参加演员的排演，欣赏她们的演出，芭蕾剧院的台前幕后，成了德加每日必到的场所。当印象派画家走出室外，在自然环境中研究光色表现的时候，德加却辗转于舞蹈教室和剧院，描绘着舞台上人工光线下的***。

德加之所以选择芭蕾舞者这种运动感十分强烈的描绘对象，除了对芭蕾舞艺术本身的喜爱之外，主要因为德加试图在瞬间的场景中表现出一种真实存在的运动感。他以一种客观的旁观者的角度观察着这些舞者，分析在不同环境下人体形态发生的变化，利用这些短暂、偶然的片段动作，转变为凝滞瞬间印象的能力，达到了艺术表现的一个新的高度。

《排练教室》

德加特别推崇用记忆绘画，反对完全对景写生的做法，他认为：“眼睛看到什么东西，就表现什么东西，这是一件好事。如果你把记忆的东西用素描形式固定下来岂不是更好？那就是想象力加记忆力共同产生的变相作用，这样就会得到更强烈的印象，也就是说这才是真正东西的再现。只有在这时你才会认识到你的回忆、你的幻想从自然权威束缚下解放出来，该是多么宝贵。”

《舞蹈课》

出身中产阶级的德加，受到过良好的教育和艺术的熏陶，在官方的美术学院受过正统的而严格的学院派教育，这使得古典主义的人物技法运用在德加的作品里得到了更加富有表现力。德加是捕捉人物动态的高手，他不拘成法的构图以及出人意表的观察角度，利用素描从运动的场景中捕捉自己独特的感受，并施以色彩来补充“真实性”。他高超的素描能力和迷人的场景刻画在印象派中独树一帜。

《在栏杆上练习的舞者》

他的作品画面呈现的中心并不是演员们美妙的舞姿或者年轻女子靓丽的容貌，反倒是很多不经意间的动作。他敏锐地捕捉到了更为真实且属于内心情感瞬间流露的“偶然”，这些极其真实、生动的瞬间情景，通过他的画笔一览无余地展现在观众面前。

德加《浴女梳头》

欧洲美术史上，把埃德加·德加（1834——1917）归类为印象派画家，但他却是印象派画家里的另类，当其他大多数印象派画家都在玩色彩和光影，以及在画面上捕捉转眼即逝的瞬间感受时，德加却独辟新径，他喜欢动感的东西，喜欢捕捉运动物体在一瞬间表现出来的那种动态美和形式美。

德加早期的绘画，受古典主义和写实主义影响很深，对素描下了极大功夫，练就了高超的素描功底。在人物画中，他对人体构图、造型，空间关系和细节等，都要求很高，以至于让其他印象派名家马奈、雷诺阿等人对他的画法冷嘲热讽，认为他这种画法早已经过时了。

德加《浴盆》

德加由于是法国人，芭蕾舞也从17世纪开始，在法国巴黎发展并壮大，到18世纪，已经风靡全欧洲。在1870年，德加36岁时，在某次艺术沙龙里，他有幸看到了芭蕾舞。这次欣赏芭蕾舞，给他的绘画带来了里程碑式的转变。

芭蕾舞者在跳舞时，表现出的那种优雅、温婉、柔和的动态美，舞者优美的舞姿，以及舞者穿着紧身衣在一瞬间所展示出来的线条美，让德加如痴如醉，很快，德加决定放弃原来的画法，准备把主要精力投入到芭蕾舞者的创作中。

埃德加·德加（Edgar Degas 1834－1917）出身在巴黎一个银行世家。殷实富有的家庭背景为他的艺术学习提供了非常有利的条件。早年他接受的是学院派艺术教育，随安格尔的一个学生学画。

从临摹古代***的作品开始，德加熟练地掌握了古典绘画技法，尤其擅长素描，但他后来并没有像安格尔那样忠于古典主义和新古典主义，而是受朋友马奈和印象派的影响，结合印象派技法表现一些当代生活题材的创作，尤以芭蕾***演员最为著名。

去年，是德加逝世一百周年，奥赛博物馆于特地举办了大型文献及绘画回顾展：《德加舞蹈绘画：向德加与保罗·瓦莱里致敬》以纪念这位伟大的印象主义画家。这个展览的宣传画就是德加的一幅舞蹈演员作品。（见上图）

大多数印象派画家都热衷于把画架搬到室外，描绘自然风景，探索光影的奥妙。和他们不同，德加更喜欢呆在画室里作画。

德加想在作品中表现运动，就像相机拍摄的那种瞬间的效果。他在这方面做了大量的尝试和努力，创作了大量的芭蕾舞作品系列。

德加用眼睛对瞬间移动的形体进行捕捉，再用画笔将这些片刻间的动作记录下来，这两点都是极具挑战的。他孜孜不倦的描绘着转瞬即逝的身影。

德加非常执着于芭蕾舞者这个题材，通过她们来捕捉形体的瞬间美感和空间的块面结合。

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